Il più recente dei vocabolari dialettali napoletani, alla voce “pusteggiatore”, spiega: “chi custodisce le macchine in sosta, guardamacchine; suonatore ambulante”. Il guardiano, regolare o abusivo, delle automobili è ormai più “posteggiatore” del musicista girovago. A difesa della memoria storica dei concertini napoletani resta il genere femminile che ancora designa l’idea del complesso musicale (“a pusteggia”) mentre al recinto delle macchine in sosta viene attribuito il genere maschile, di conio più fresco (“o’ pusteggio”).

Posteggia da “puosto”, luogo occupato da chi eserciti un’attività rivolta al pubblico, venditore ambulante o posteggiatore con strumenti musicali.

Il termine “posteggia” è spuntato, però, in epoca non troppo remota e per lungo tempo è stato tenacemente rifiutato da cantori e suonatori, quasi avesse per loro, gente d’arte, un significato riduttivo, da respingere con dovuto garbo per farsi segnalare con l’appellativo più onorevole di “professori”, professori di concertino.

La storia dei posteggiatori

Secondo l’opinione di studiosi di metrica, nella forma della melodia napoletana si ripeterebbe la “terza minore” dei Greci antichi. I posteggiatori eredi dei rapsòdi alla Omero? Difficile stabilirlo con sufficiente ragionevolezza.

Ma certamente l’origine dei posteggiatori rinviene in epoca di trovatori e menestrelli, cioè nel Medioevo. In una Napoli racchiusa tra il porto, le pendici del Vomero e, a oriente, il Castel Capuano, risuonavano mattina e sera le voci dei menestrelli. Ci volle, nel 1221, un’ordinanza di Federico II di Svevia per limitare l’ondata di canti e suoni. L’abitudine fu dura da estirpare e gli ordini regali non sortirono grandi effetti. Del resto, anche gli uomini di sangue blu erano presi dalla frenesia: Matteo Spinelli, nei suoi Diurnali, racconta che, verso il 1250, Re Manfredi “spisso la notte asceva cantando canzuni, e con isso ievano due gran romanzaturi”.

Giovanni Boccaccio, che soggiornò a Napoli dal 1327 al 1339, vide e sentì “…qui i marini liti et i graziosi giardini, d’infiniti stromenti, d’amorose canzoni, così da giovani come da donne fatte sonate e cante, risuonano”.

Nel Quattrocento i suoni e le voci dei musici posteggiatori già volteggiavano nelle taverne, numerosissime, frequentate da soldati, studenti, giocatori, prostitute, viaggiatori, mercanti, perdigiorno. Libagioni ritmate dai suoni dei posteggiatori che, al termine, avrebbero chiesto ai clienti una moneta, un residuo di cibo o una bevuta.

Nel Cinquecento, in una Napoli ricca di vocazione musicale, dove suoni, canti e balli costituivano la principale occasione di svago, nacquero le “villanelle”, composizioni musicali con testo di poesia. Eseguite in lingua napoletana, esse divennero genere musicale di esportazione conquistando fame e fortuna in Italia e in Europa.

Nel 1569, dopo l’approvazione dell’Eletto dal Popolo, gli artisti ambulanti si costituirono in una Corporazione, come avveniva per altre categorie di arti e mestieri. La società di mutuo soccorso aveva sede presso la chiesa di S. Nicola alla Carità e garantiva giusti compensi, assistenza per le malattie e persino una degna sepoltura.

Nel Seicento, Napoli conobbe profonde inquietudini sociali. Il 1647 fu l’anno della rottura di ogni possibile equilibrio tra plebe cittadina e ceti dominanti, arroccati intorno al potere vicereale: i giorni di Masaniello lacerarono con violenza una fragile convivenza civile. Da allora, la cultura popolare fu tenuta al bando, perché ritenuta pericolosa per la stabilità politica. Anche la Chiesa, in piena Controriforma, vedeva con sospetto i girovaghi cantanti. Pericolo di ribellioni sociali e insidia di tenaci legami sotterranei con i culti di derivazione pagana, furono tra i motivi principali della “reazione” pilotata dai Gesuiti contro le espressioni artistiche più autentiche della plebe e del popolo basso.

Per tali motivi, il Seicento dà ai suonatori un rifugio a loro già caro: le taverne. Un elenco elaborato a Napoli alla metà del secolo ne contava 112. Due le taverne più note: quella del Cerriglio e quella del Crispano.

La taverna del Cerriglio si trovava nell’area di Rua Catalana (vicino Via Medina) e fu un punto di luce dell’immaginario popolare, metafora del divertimento, luogo di avventure amorose, di cibi squisiti e di franche libagioni. La taverna del Crispano, invece, sorgeva nel Borgo S.Antonio Abate e confinava con l’area degli “Incarnati”, luogo di raduno di disperati, malavitosi, donne di malaffare.

Evoluzioni della canzone napoletana

Eppure, proprio nel XVII secolo, in una convulsa realtà sociale, tra un’eruzione del Vesuvio e un’epidemia di peste, entrò in incubazione quella che sarebbe diventata un giorno la “canzone napoletana”, nata dall’incrocio dei canti popolari delle campagne con i canti popolareschi di città e le composizioni di autori con forte personalità artistica.

Il secolo dei Lumi è stato anche il secolo dei “tarantellari”, coppie di danzatori di tarantella con tamburi a mano e altre “percussioni”, strumenti a corde o a fiato. Le movenze dei ballerini, di forte carica erotico-sentimentale, davano vita alle figurazioni del corteggiamento maschile e della “tattica” amorosa femminile, con ritrosie, ripulse (le “culàte”) e cedimenti repentini.

Nell’Ottocento la canzone napoletana divenne un fenomeno di massa. Lentamente, dal canto popolare, puro o filtrato dalle trascrizioni dei mediatori che ammorbidivano versi e note, si arrivò alla canzone d’autore. Fu un processo graduale, non isolato dal cammino complessivo della società napoletana dell’epoca, e soprattutto dei suoi strati popolari che, in parte, si affacciavano al confine della piccola borghesia. Un processo ben visto dalle classi dirigenti, favorevoli alla progressiva integrazione del popolo.

D’estate, i musici si spostavano sulle rotonde balneari e eseguivano i loro pezzi sulle piattaforme di legno tenute da pali infissi nel bagnasciuga, magari improvvisando divertentissimi versi inventati all’istante per un dandy o una signorina in costume.

La fine dell’Ottocento faceva aprire una vita nuova per i posteggiatori, con tanti viaggi all’estero per cantare la canzone napoletana entrata ormai nel periodo del suo massimo splendore. Viaggi e guadagni, anche se poi nessun posteggiatore riuscì a diventare veramente ricco. Un fenomeno da spiegare, forse, con l’indole di questa singolare categoria di artisti, per i quali il gusto di suonare e cantare è sempre stato più forte di ogni interesse economico.

Nel Novecento, il corso storico dei posteggiatori fu segnato profondamente da due eventi: l’inaugurazione della Galleria Umberto I (nel 1890) e l’iniziativa della casa musicale tedesca “Polyphon” che, negli anni precedenti al primo conflitto mondiale, scritturò i maggiori poeti e musicisti napoletani, concedendogli uno stipendio fisso ma esigendo un certo numero di canzoni all’anno.

L’inaugurazione della Galleria fu l’occasione per radunare un buon numero di orchestrine, che si fecero ammirare dai corrispondenti dei giornali stranieri: la fama dei posteggiatori si diffuse in tutta Europa e i cantanti napoletani furono richiesti in ogni angolo del continente.

Altro avvenimento decisivo per la vita dei posteggiatori fu l’arrivo della “Polyphon”, un’occasione a doppio taglio. Da un lato, con i contratti agli autori venne incentivata la produzione di canzoni e le postegge ebbero una maggiore quantità di materiale a disposizione. Dall’altro, la “Polyphon” introdusse, sin dal 1912, la novità delle “macchine parlanti“, i grammofoni. Il lento declino della posteggia cominciò proprio da lì. Prima i grammofoni, poi la radio: la diffusione delle canzoni a poco a poco non ebbe più bisogno delle orchestrine all’aperto e i posteggiatori si avviarono verso l’ultima fase della loro parabola.

I Cafè Chantant

Di fronte al progressivo affermarsi delle tecniche di riproduzione della voce, che privilegiavano i cantanti “di teatro”, e davanti al lento declinare dell’epoca d’oro della canzone, la posteggia ripiegò fino a ridursi a pura testimonianza, nei suoi ultimi epigoni. I posteggiatori brillarono fino a quando la canzone restò un fenomeno più artistico che speculativo, poi, sotto l’incalzare dell’industria dello spettacolo, un pò alla volta scomparvero.

Ai posteggiatori va anche il merito di aver favorito la nascita del famoso “Caffè concerto” (o Cafè-chantant) un genere di spettacolo che caratterizzò un’epoca. A cavallo dei due secoli, le aspirazioni diffuse a una più brillante vita sociale, si sposarono con l’intuito di piccoli e medi imprenditori del ramo “caffetteria”. Furono aperte in tutta la città gelaterie, birrerie, spazi con tavolini e pedane per concerto all’aperto. Si servivano tazzine di caffè e bicchieri con granite di limone, prese d’anice e bicchierini di rosolio, a cui si accompagnavano le esibizioni di soubrette, comici, ballerini, musici e “sciantose“. Iniziava la “belle èpoque” napoletana.

Tra i tanti bar spiccavano: il “Salone Margherita” (il primo cafè-chantant d’Italia), “Caffè Vermouth di Torino” a S.Lucia, lo “Scotto Jonno”, il “Caffettuccio”, il “Vasto”, il “Caffè Vigilante”, l’”Eden”, destinato a diventare un famoso teatro-varietà. In Piazza Plebiscito c’erano il “Caffè turco” e il già famoso “Gambrinus” ed ogni sera,quando in piazza passava il tram, il conducente era costretto, a furor di popolo, a bloccare il mezzo pubblico. I passeggeri, affacciati ai finestrini, volevano sentire almeno un “pezzo“.

Alcuni posteggiatori girano ancora per Napoli, anche se il loro numero non è assolutamente paragonabile alla quantità di “professori” di concertino che c’era nelle epoche felici della posteggia. Ed anche il modo di cantare si è allontanato dallo stile caratteristico dei cantatori dell’Ottocento-Novecento.

I temi e i luoghi delle postegge

Sentimenti, gesti, parole, avvenimenti erano tradotti in versi e musica, filtrati dalla sensibilità cittadina dei ceti popolari, capace di cantare le mutevolezze psicologiche di uomini e donne immersi in una realtà di amori tempestosi, feroci rivalità, desideri di affermazione e acute malinconie. In più, trovavano spazio anche canzoni ispirate ad avvenimenti cittadini (sociali o politici) che colpivano la fantasia collettiva.

Ma quali erano le occasioni di canto per i “professori” della posteggia? Le serenate, dedicate a giovani donne amate da giovanotti che cantavano essi stessi sotto i balconi, all’angolo d’un vicolo o in una via di campagna, o si affidavano alla voce di un cantante professionista. Le “mattinate“, portate sotto finestre e balconi per dare il buongiorno in musica all’innamorata che ancora se ne stava sotto le lenzuola. Le feste casalinghe: battesimi, fidanzamenti, matrimoni. Le giornate di Piedigrotta, 7 e 8 settembre, con il lancio delle canzoni nuove. Le postegge sostavano anche davanti ai grandi alberghi di S. Lucia o fra i tavoli delle osterie e trattorie, a Posillipo, al Corso, a Mergellina. Dalle taverne settecentesche di “Mezarecchia“, delle “Carcioffole” o delle “pagliarelle d’ ‘o sciummetiello“, a quella ottocentesca di “Monzù Arena” e alle altre più recenti: i ristoranti Stella, Allegria, Bergantino, ai Due Leoni, ‘a Fenestrella, Pallino, Scoglio di Fristo, le Quattro Stagioni, Pastafina, Pignatiello, ‘o Schiavuttiello, Rosiello, La Rotonda a Posillipo, Birreria Strasburgo, Starita, Sica, e innumerevoli altri, fino ai due più celebri locali del Borgo Marinaro, “La Bersagliera” e “‘a zi Teresa”, fondati dalle leggendarie Emilia Del Tufo e Teresa Fusco.

Un ristorante, una posteggia. Con scambi e andirivieni di suonatori e cantanti.

Gli strumenti musicali dei posteggiatori

Nel Quattrocento e nel Cinquecento gli strumenti musicali più utilizzati erano: il “calascione“, un chitarrone di grosse proporzioni; la “tiorba a taccone“, strumento a corda suonato con un’apposita penna (il taccone); la cetola (cetra). Ma non mancavano strumenti come il liuto, il rebec (un violino primitivo), arpe e mandole.

Il tamburo, detto “tammurro” o “tammorra“, aveva un diametro che andava dai 35 ai 50 cm. Intorno al cerchio, che delimita lo spazio della pelle ben tesa, su cui batte la mano del suonatore, piccole nicchie rettangolari ospitano sonagli di latta, chiamati ” ‘e cicere“, corruzione dialettale del termine “cembali”. Per suonare il tamburo, occorrono preparazione musicale e resistenza fisica, poichè la “tammurriata” dura a lungo, ore intere, e chi percuote lo strumento deve seguire costantemente lo stesso ritmo. Le tammorre sono spesso suonate col “trillo“, cioè col dito pollice inumidito con la saliva e “strisciato” lungo i bordi del cerchio di pelle.

Le “castagnette“, o nacchere, consistono in due pezzi concavi di legno, uniti da una cordicella nella parte superiore. Il danzatore di tarantella fissa la cordicella tra le dita e fa battere i due pezzetti di legno che emettono un suono secco e ritmico.

Il “sisco“, o il fischio (ovvero il flauto nella versione etnica napoletana), è una canna tagliata, su cui vengono praticati dei buchi per la regolazione del suono.

Il doppio flauto, a due canne, una con 4 buchi (la canna maschio), l’altra con 3 (la canna femmina). Il suonatore impugna la canna maschio con la mano destra e la femmina con la mano sinistra, come è possibile vedere già in antichissime pitture di età greco-romana.

La “chitarra battente” ha una cassa più alta della chitarra normale e il fondo non piatto ma incavato. E’ uno strumento destinato a produrre solo suoni alti e infatti non ha corde basse, mentre talvolta possiede doppie corde per aumentare ancora la sonorità delle esecuzioni.

Nel periodo natalizio, inoltre, ancora oggi, è possibile incontrare suonatori di zampogne e ciaramelle, altri antichissimi strumenti popolari, usati per le novene decembrine dai “zampognari“, figure particolari di musicisti girovaghi.

Nell’Ottocento arrivò una svolta anche per l’uso degli strumenti dei posteggiatori: scomparvero tiorbe e calascioni ed invasero la scena chitarre, mandolini e violini. Più tardi, venne la fisarmonica ed altri strumenti popolari di poco prezzo, nati dalle mani di scugnizzi e artigiani improvvisati: putipù, triccaballacche e scetavajasse.

Ma per molti lo strumento principale era la voce, sempre modulata e ricca di sfumature, Uno modo, uno stilo che, per i posteggiatori, si sarebbe mantenuto sempre inalterato nel corso dei secoli.